服装人体素描(艺术史上有哪些著名的女性艺术家)
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2023-11-23
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1. 服装人体素描,艺术史上有哪些著名的女性艺术家?
Louise Élisabeth Vigée Le Brun 伊丽莎白·维杰·勒布伦
Vigée Le Brun(1755-1842),出生在法国巴黎。在完全颓废的洛可可时期是一位众所周知的人像画家。她是Marie Antoinette(玛丽·安托瓦内特,法王路易十六的王后)的私人人像画家,帮王后作画(有时帮她的家人作画)超过30次。Vigée Le Brun拥有的财产中有数以百计的画作包括600张人像画和200张风景画。Queen Marie Antoinette of FranceVigée Le Brun的艺术遗产不仅在今天被人想起,她,不像当时大都数深闺中的女人,而是非常出名。当她和她的女儿在法国大革命开始的时候逃离了法国,她们游历了整个欧洲,所到之处得到贵族们的欢迎追捧,他们让她继续以她自己独有的风格作画。她们一路游历到俄罗斯,并为凯瑟琳皇后及她的女儿画了美丽的人像画。Countess Skavronskaia最终Vigée Le Brun 返回到了巴黎并与她的丈夫重聚。她比她的家人活得都要久,她的余生继续以艺术家的身份作画直至生命结束。因为Vigée Le Brun对绘画的热情,独特风格及全球的影响力,所以我把她归纳在这个名单中。她多产的职业生涯是鼓舞人心的,还有她受委托创作的客户们也非常有趣。Mary Cassatt玛丽·卡萨特这是你在这个名单上可能会熟悉的女士之一。Mary Cassatt(1844-1926),出生于美国的宾夕法尼亚州。作为一名印象派画家,她最为人知晓的是她对于女人、孩子、亲子关系相关主题的关注。如果你Google"画婴儿的女性",你可能会查找到Mary Cassatt的画作。SummertimeCassatt在宾夕法尼亚艺术学院学习绘画,从她十五六岁开始,直到她21岁,她决心毕业后将绘画作为自己的职业。在1866年,她搬去法国居住,继续自己的课题和学习,这让他父亲十分懊恼。在那个时代女人无法进入艺术学校,所以她只能上私人课程,但这从未动摇过她的目标:成为一名职业的画家。1868年,Cassatt的作品,《A Mandoline Player(一个曼陀林演奏者)》入选到巴黎沙龙,一个由美术学院举办的官方艺术展览。她也是首个被该展览接受的美国女人。遗憾的是,她不得不在1870年离开法国,以避免在普法战争中被捕。这意味着她的艺术生涯受到了重创,也因为她的父亲始终没有支持她的职业选择,没有支持和鼓励,她甚至她考虑放弃她追求艺术的目标。幸运的是,受到匹兹堡的主教委托,她回到欧洲,在意大利的帕尔马,绘制意大利伟大画家科雷乔画作的复制品。Young Mother Sewing回到欧洲之后,她的画作带上了印象派的风格,她结识了Edgar Degas,一位印象派同好,知名的水彩画家。正是这份友谊鼓舞她继续在自己的路上前行,并让她最终形成她著名的个人风格——孩子,女人的肖像画作,获得成功。她的故事就讲到这里,(虽然它可能是在这个列表中最长的故事了),但我想强调的是她对追求梦想的坚持,没有放弃艺术创造,而震惊了全世界。Harriet Powers 哈丽叶.包尔斯Harriet Powers (1837–1910)是非裔美国人,一名被释放的奴隶。她在19世纪创造了一幅幅能讲述奇妙故事的拼布作品。Harriet生来就是黑奴,在美国南北战争前当了30年奴隶。Bible Quilt她创作的拼布作品大多是新编圣经故事,在很长一段时间里,人们都认为这些故事是她从别处听到的。直到2009年一封流传出来的亲笔信,让我们知道了事实并非如此。作为一位博学的女性,她将自己读到过的那些广为流传的故事用拼布制作的工艺以图画的方式呈现了出来。Harriet的拼布作品第一次面世是在19世纪80年代末的一场棉织品交易会上,那时她已陷入经济困难数年,但最终却只成交了一幅拼布作品。而这幅拼布的买家Jennie Smith,记录下了从Harriet处听来的这幅拼布的含义以及其背后的故事,而这也让我们在今天能更进一步了解了Harriet拼布作品背后的复杂故事。Pictorial Quilt剪裁成片,缝纫,再加上手工刺绣,她用了这样一种载体取代普通颜料绘画和铅绘,使得她的作品堪称非凡的艺术。无论是她所在国家的历史因素,还是她自身的经历,以及她在民间艺术上的表现,Harriet的故事都值得被分享出来。今天,我们将这些历史片段联系了起来,也看到更多的艺术家们还在继续学习这种古老的技法,让拼布技艺得以传承下去。Georgia O'Keeffe 乔治亚·欧姬芙如果没有Georgia O'Keeffe (1887–1986)的画,很难想象美国西南部的想象或抽象派的花是什么样的。来自威斯康星,20世纪早期,这位中西部艺术家在芝加哥艺术学院学习绘画,在学院中她接受模拟训练,在这个学习传统中艺术意味着对自然的模拟或者重现。但她不满足在这个理论下创作,因而决定作为一个艺术家去追逐自己的事业。Light of Iris直到她师从Arthur Wesley Dow之后,受启发转离现实主义,尝试以身边的事物创作抽象画。她被认为是美国首先突破现实主义的画家之一,也预示着美国艺术走向一个新的台阶:纯抽象主义。在1916年,她的一位朋友向艺术经销商兼知名摄影师Alfred Stieglitz展示了她的部分画作。他在自己的画廊291中展示了Georgia O'Keeffe的作品,这是O'Keeffe走向为大众所认识的艺术家的开端,更拉近了两人的距离,最后有情人终成眷属。O'Keeffe的作品从生物物体,近物特写和抽象花朵到人造建筑,比如纽约的建筑,她曾经住过和工作过的地方。有趣的是,她大部分以花为主题的作品被认为是描绘的女性器官,但她本人并不认可这种解读。后来,她厌倦了这类创作,于是去新墨西哥进行了一场旅行,那儿的风景和肖像给了她很大的灵感,让她最终选择定居那里。不管进行哪种主题的创作,她作品的欢迎度从未被动摇过。From the Faraway, Nearby无论是有意还是无意,O'Keeffe成了潮流的缔造者;她的作品总是赶上艺术潮流。(之前是花朵和美国现代主义,现在是景观和特定场景)。在八十年代前她都是进行独立创作,直到她的视力出了问题,她开始与助手一起工作,凭借记忆创作那些受欢迎的图案。Frida Kahlo 弗里达·卡罗Frida Kahlo(1907-1954),是一位以其作品用色大胆和诡异自画像而著称的墨西哥超现实主义女画家。为了掩盖引童年时的小儿麻痹症导致的右腿比左腿细,你可以发现在她大部分的自画像中,她常常穿着长裙。在她18岁时,不慎遭遇车祸,导致了身体上许多不同程度的创伤。其中的大多数都已经康复了,还有一些创伤对她身体产生了永久性影响,包括疼痛和生育问题。后者成为了她之后画作的一个常见主题。正是这次车祸使得她放弃了正在进行的医学学习,在她康复阶段,由于行动不便,她开始学习绘画。Self Portrait with a Monkey在她的画画生涯中,Frida一共画了超过140幅画作,其中有55幅自画像。受墨西哥文化的影响,她的画作大多明亮且丰富多彩。画作主题主要是对她自身身体问题和心理状态的象征性表达。就如她经常说的一句话:"我从不绘画梦想,我只是在描述我的现实"。Kahlo的生命中包含一段与同样是画家的Diego Rivera迭戈·里维拉的动荡婚姻,对共和党的绝对支持,以及与Pablo Picasso巴勃罗·毕加,Leon Trotsky里昂·托洛茨基和Marcel Duchamp马塞尔·杜尚之间的友谊。随着时间的推移,关于她作品越来越多地展示了她与背部支架,外科手术,慢性疾病和精神痛苦的斗争。The Wounded Deer通过Frida的画作充满情绪和热情,通常是走心的,让全世界都能窥探到她的思想和状态。不管你是否认可她的政治想法,她从不在她的画作或生活中隐瞒她的想法,她也从不隐瞒她与绝望和痛苦的斗争。她将这一切想法和感受在画布上展露无遗,用这样创造性的方式与全世界分享她感受到的一切。Caterina van Hemessen 卡特里娜 凡 霍姆森Caterina van hemessen是佛兰德文艺复兴时期的画家(1528–1587年左右),她最著名的是她是以画架前的艺术家的形象画自画像的第一人。这样一幅展现艺术家的共同特征(有人性,真实)的自画像,也令人惊讶,直到16世纪艺术家们才在画中展现自己工作的状态。Self-Portrait与此列表中的其他艺术家相比,Caterina van hemessen的作品量很小,绘画的时间也比较短。她的父亲Jan Sanders van Hemessen是一名画家,可能受他影响,Caterina 主要绘制肖像.她的作品中有个常见的主题,穿着华丽的富有男人在黑暗的背景前,这些作品很有可能是受富有的顾客委托所作。据说她在1554年结婚后年停止了工作,这在当时很正常。几年后她去世了,在这之前是否有重拾画笔已不为所知。Portrait of a Lady我把她的名字列入名单中,是因为她影响了许多画自画像和肖像的艺术家。不是每一个艺术家会一直创作,但光是开启了艺术家画工作自画像的新风已经足够影响我把她加进名单了。Sofonisba Anguissola 索芳妮斯贝 安古索拉Sofonisba Anguissola(1532-1625)是文艺复兴时期的意大利画家。Sofonisba和Bernardino Campi和Bernardino Gatti一起学习艺术。这在当时史无前例,很久以后,妇女才被允许成为艺术学徒或艺术学生。Sofonisba之所以在艺术方面有成就,和她的家庭教育有很大的关系,她的父亲就经常鼓励她和她的妹妹们,要在艺术学习上多加努力,在当时的社会教育背景下,其他的女性就没那么幸运了。Self-portrait at the easel这几乎是这个名单的共同主线。当时社会在对女性学习艺术怀有偏见:女性花费大量的时间和精力,通过艺术创造获得成功,实现自己的目标和理想,是不可思议的事情。从Sofonisba的角度出发,这就意味着她不能和男性一样学习解剖学和人体素描(多年以来,女性都不被允许学习和研究人类裸体)。为了不向这种荒谬的制度屈服,Sofonisba开始画家人或者自己非正统的肖像。她有一幅作品《Lucia, Minerva and Europa Anguissola Playing Chess(露西亚、米勒娃和欧罗巴-安古索拉下棋)》的场景表现的就是她穿着正式的服饰,带着随意的表情的姐妹们。在当时,意大利的肖像画都比较刻板,人物看起来很僵硬。Sofonisba创造了这种自然的人物绘画手法,画真实自然的人而不是画人们想要被画成的样子。除此之外,当时国际象棋也很受欢迎,但也因为需要逻辑思维和策略被认为是只适合男性玩的游戏。Lucia, Minerva and Europa Anguissola Playing Chess到了15世纪50年代,Sofonisba被世人所知,她被邀请到西班牙出任菲利普二世的宫廷画师。在之后的14年间,她在宫廷有了一个专门用于画肖像的住处,而且她成为了西班牙伊丽莎白女王和她的女儿们的艺术导师。一直到她婚后才住到了巴勒莫,在她丈夫去世后她又搬到了热那亚,之后再婚。在热那亚,她一直都是排名第一的肖像画家,直到她后来再搬回到巴勒莫生活。她画的最后一幅肖像画是1620年创作的。在晚年,她成为了一名艺术资助人,因为白内障和视力下降的原因,再也看不清不能创作了。Sofonisba打破社会对女性追求艺术的性别障碍,一直坚持创作到晚年,一次次地突破自己。这不可忽视的艺术力量,在她同时代甚至后人当中都很罕见。Artemisia Gentileschi 阿特米西亚·真蒂莱斯基Artemisia Gentileschi(1593–1653)是巴洛克时期的意大利画家,她被认为是当时艺术界上最为杰出的女性之一。她擅于在画作中表现不为大众所熟知的女性进步思考。Gentileschi受她父亲画家Orazio Gentileschi的影响步入艺术界,但她的艺术风格却受意大利画家Caravaggio的影响更甚。她的画作与其父亲的不同,更偏向于现实主义而不是理想主义,拥有更大的辨识度。Gentileschi早期备受关注的画作是《Susanna and the Elders》,画作灵感来自于Daniel的一本书,讲述了一个名叫Susanna的女人被邪恶的老夫妇诬陷。书中Susanna因为拒绝被敲诈而被逮捕,在她快被折磨致死时Daniel救了她,并且盘问老夫妇,揭露他们的谎言,洗清Susanna的冤屈。Susanna and the Elders这幅画之所以引人瞩目是因为Artemisia在画中主要侧重于表现Susanna的情感,描绘她的创伤性体验。在那个时期,还没有画家用过这种表现手法来表现女性细腻的情感。1612年,Artemisia与Agostino Tassi打了一场官司。Agostino Tassi曾经是Artemisia的老师,但是他强奸了她。在罪行之后,Agostino Tassi试图控制Artemisia,想要通过结婚来掩饰他的罪行,恢复在他们文化中的名誉。这场官司被公审了,通过公审揭穿了Agostino Tassi的险恶用心,他想要谋杀Artemisia并盗取她的画作。但是Agostino Tassi近被判处一年有期徒刑,并且最终没有执行。经历过强奸、审判、女性的无助以及长时间的法庭对峙之后,Artemisia Gentileschi和她的画作从此改变了。她开始专注于女性团结的表达,她绘画出坚强的女性来宣泄自己当时孤立无援的情绪,很多画作中坚强的女人就是她对自己的影射。Judith and her Maidservant她的一生都奉献给了绘画,并且得到一片赞誉。在她去世后,她的作品一度被误解是她父亲创作的。庆幸在艺术研究学家的不懈努力下,她的作品和遗产的名誉才得以恢复。我把她列入名单,不仅仅因为她作为一个卓有成就的艺术家一生获得了无数赞誉,产生了深远影响,还因为她在17世纪就"不合时宜"地专注于坚强女性和她自己的情感,为女性发声。Marianne North 玛丽安娜·诺斯Marianne玛丽安娜·诺斯(1830 - 1890)是一位生物学家和植物学艺术家,主要在维多利亚时代创作。玛丽安和她的父亲一起周游世界,研究植物和绘画,画所有能画的一切。1870年她的父亲去世后,她决定继续周游世界独自跋涉丛林,露宿郊野,最终她访遍每个大陆,积累关于自然世界的近百幅作品。Durian Fruit from a Large Tree, Sarawak, Borneo与其他植物艺术家的作品不同,她的画看上去比其他同类作品更具活力。她的风格是快速写意的,这让她能够快速创作,成为多产的画家。她在绘画中记载的植物和有机体的数量给生物学带来有效价值。当时没有摄影的方便,她的作品成为了研究自然界的重要资源。很多植物以她的名字命名,包括整个northia属植物。Nepenthes northiana我把玛丽安娜列入了这个名单,不仅是为了她的技巧和冒险精神,自己环游世界,富有激情,还因为她对科学的贡献,帮助我们理解了自然世界。Beatrix Potter 毕翠克丝·波特Beatrix Potter(1866–1943)是一个非凡的著名自然学家、自然资源保护人士、插画家和作家。你在小时候可能读过她的作品,比如《彼得兔的故事》。出生在英国一个富有的家庭中,Beatrix从小对大自然十分着迷。Peter Rabbit她早期的作品专注于菌类和科学插画。在此期间,她研究了大量的活体真菌标本。很多她有关真菌的素描和绘画都以菌类参考资料的形式收藏于阿米特博物馆和图书馆中。受童话故事的影响,Beatrix转而开始用精美的动物绘画来说故事。1901年,在没有出版商愿意帮她出版的情况下,她自费出版了有关兔子们故事的手稿。在一个好友的帮助下,她的书《彼得兔的故事》终于在1902年由弗雷德里克公司出版。在往后的20年里,她创作了23本有关小动物故事的书。Beatrix非常明智地在1903年创造并注册了彼得兔的公仔,这是后来她众多书籍绘画的周边产品中的第一件。这些产品都得有出版社授权,让她自己和出版社都在书籍之外增加不菲收入。Simpkin at the Tailor's BedsideBeatrix后来搬去乡下,继续写作和绘画,并成为一个牧羊人。由于在社区威望很高,她被任命为"贺德威克牧羊人联盟"主席,也是此联盟史上第一位女主席,但是同年在她担任职务之前她就去世了。我在这个名单中选择了Beatrix不仅是因为她作为艺术家的驱动力和激情,还因为她的商业头脑,聪明地保护了自己的作品,她也随着绘画和书籍故事创作了可以代代流传的卡通形象。2. 人体艺术有存在的必要吗?
存在即是合理。
人生三个阶段都会遇到的人体艺术。
一、上学时期。
上学的时候,教室里悬挂的最多的画像是爱迪生、爱因斯坦、伽利略、牛顿和哥白尼等科学巨匠的油画像,这些画像激励着无数青年学生去探索未知,无攀登科学高峰。
二、新婚燕尔,布置新房。
毕业后,成家了,有了自己的房子,总会挑一些自己喜欢的国画(当然是复制品)悬挂在客厅,如万山红遍、梅兰竹菊等;而在属于自己的私人房间里,会与爱人一起选些更人性、更具烟火味的人体画像,如鲁本斯的《海伦娜·弗尔曼肖像》。这幅人物油画中的贵妇人,漂亮、生动,线条十分流畅,据说这幅油画迎合了上层社会的审美需求。咱一个老百姓虽然身处底层,但心可以不受约束,在自己的二人世界里也感受一下贵族的生活情趣。当然卧室里选取的油画多为半露的,即比较保守。
三、上班出差住酒店或出国。
上班出差住酒店时则常常看到一些全裸的油画,走廊里、房间中,错落有致、林林总总地挂着鲜活的人体油画,置身于此,马上觉得这儿的空气很新鲜,情调很别致。住在这,既可以解除旅途劳累,又可以释放人对美和异性向往的天性,真好!
这些人体油画都是一些世界名画的复制品,但也都惟妙惟肖,足可以以假乱真。
如:拉斐尔的《西斯廷圣母》圣母像甜美、悠然。圣母抱着圣子从云端降下,油画两边帷幕旁一男一女,教皇西斯廷二世穿着金色锦袍欢迎圣母、圣子。
安格尔《大宫女》。大宫女赤裸着身子背对人而卧。她手拿孔雀羽扇,头戴土耳其头巾,体态丰盈,流光溢彩。
威廉·阿道夫·布格罗的《手拿贝壳的女人》《春天的和风》《波浪》等人体油画,没得让人窒息。(鉴于网络人群年龄不一和你知道的原因,这些油画不能在此附上,非常遗憾!)
《维纳斯的诞生》画中的维纳斯刚从沉睡中醒来,似出水的芙蓉,高贵圣洁,她睡眼蒙松,可爱至极。
人体艺术与众多的艺术形式一样,是人类思维的产物,也是对美好生活的讴歌和向往。她能给人带来美的视觉享受和愉悦。人体艺术不仅可以满足人们的视觉“欲望”,更可以陶冶人们的情操。
3. 什么是服装造型方法?
①服装构成。又称服装结构。将服装各部分组合成服装的过程。服装学好服装设计有什么用构成必须符合人体工程学的要求。通常是根据人体着装部位而定的领、袖、衣身、裤腰裤管、裙腰裙片等组合而成。
服装构成的创作方法,是充分运用组成各部位的形态要素(点、线、面、体、肌理、色彩等)进行艺术造型,其具体方法(服装造型方法)主要有立体法、比例分配法、短寸法和原型法。
②服装设计图。
最常用的有意向图、款式图、效果图和裁剪图。意向图,源于艺术的写意画,寓意性或趋向性地描绘服装形神以表达设计意境的一种设计图,如服装广告画和流行服装素描等。款式图,直接体现服装款式造型的黑白线条图,包括示意图、装饰图、展示图、分解图。
效果图,表现着装后整体效果的图画。 既要表现服装的造型、款式、色彩、材料、肌理、装饰、工艺等,又要表现人的神态、肢体、姿势以及鞋帽、服饰和环境等。裁剪图,按造型方法,运用制图符号、文字等标明衣片结构及有关裁剪、缝制规定的设计图。
按裁剪图可直接裁剪出所设计的服装的衣片等,从而缝制成衣。
4. 为什么有人认为人体油画是艺术?
一说到艺术,人们自然而然会联想到绘画、雕塑、建筑、书法、摄影、音乐、舞蹈、戏剧等具体的门类,它们有的属于造型艺术,也就是人们常说的“美术”,以直观的视觉感受作为主要欣赏手段。有的属于表演艺术,主要通过听觉来完成审美过程。有的属于综合艺术,在欣赏时,必须同时启动视觉和听觉,才能达到欣赏目的。
若说起人体艺术,人们自然会想到人体雕塑、人体油画、人体素描、人体摄影、人体彩绘等多种形式。
它们都是以人体作为审美对象,或者把人体当作艺术载体,艺术家再结合自己对美的理解,对生活的感悟,对文化的认识,运用各种技法和手段创作而成,供人们欣赏。
可以说,任何一件人体艺术作品,都是艺术家用才华、激情和智慧精心打造出来的,凝结了艺术家难以量化的心血,因此,面对任何一件艺术作品,都应当尊重,一是尊重艺术本身,二是尊重艺术家的劳动成果。
然而,经常出入美术馆的朋友,会在现实生活里发现一个十分有趣的现象:关于人体油画的展览并不少见,而人体摄影展览几乎很难看到。
说实话,迄今为止,我也没有见到过有哪个摄影家举办过个人“人体摄影展”。
为什么会出现这种情况?根本原因是,大部分人在骨子里不认同人体摄影是艺术,而对人体油画、人体素描、人体雕塑都持默认态度,认为它们是毋庸置疑的艺术结晶。
如果结合美术史,创作方式,以及人体摄影的现状,就能理解这个问题。
第一,从美术史的角度来看,人体摄影产生的时间很短,还没有形成比较深厚的文化积淀,没有底气跟人体雕塑和人体油画进行较量。人体雕塑是人体艺术的鼻祖,产生于2800多年前的古希腊时期。古希腊时期的艺术家和哲学家,都是热爱生活、善于观察的人,他们从现实生活里发现,肌肉发达的男人们在作战或竞技比赛时,产生的力量美和阳刚美无与伦比,让人看到后很亢奋,能催发人的斗志。
为了留住这些美,艺术家们搬来大理石或花岗岩,按照这些勇士或运动员的真实比例,一点一点精雕细琢,最终完成创作。在雕塑作品里,男人们的阳刚,大理石的坚硬,雕刻手法的细腻,三者完美地融合在一起,于是,就产生了精美绝伦的艺术品。
同样,女人们在舞蹈时表现出来的优美姿态,以及女性身体上与生俱来的曲线美,让艺术家沉迷,因此,艺术家用大理石还原出了不同女性风情万种的姿态,又促成了精美艺术品的诞生。
到古希腊中期,雕塑艺术已经十分发达,并全面走进生活,公共场合里,如街道、教堂、宫殿、大厅门口等地方,陈列人体雕塑成为司空见惯的事情,是人们文化生活的见证,并形成了根深蒂固的文化传统。到如今,世界各地的公共场合依然摆放有许多人体雕塑作品,从没有人认为有什么不妥。
人体油画产生于14世纪初期,在艺术宗旨上跟文学、雕塑、建筑等其它艺术形式,都遵循“人文主义思想”,画家通过人体油画来体现生命的价值,以及世俗生活的乐趣。在技法上,人体油画吸收了雕塑的造型手段,同时对美学、光学、解剖学、物理学等许多学科有所吸收,可以说,人体油画是科学元素和艺术元素的完美结合。
摄影艺术诞生于19世纪60年代,把人体作为摄影对象是近几十年才出现,它完全是一门新艺术,没有形成自己的创作体系和文化积淀,跟爷爷辈的人体雕塑和人体油画,完全不在一个层次。
如果把人体摄影作品放在公共场合装饰环境,恐怕有许多人会戴着有色眼镜来看这个事情,还是因为人体摄影的文化积淀不够,导致认同感很低。
第二,从创作方式来看,人体摄影没有形成自己独立的创作语言和艺术观念,完全在模仿人体油画的创作成果。并且,跟纯手工创作的雕塑和油画比起来,摄影对照相机的依赖性很强,劳动成本太低。人体摄影就像一个咿呀学语的孩子,还不具备说话和走路的能力,只能现学现用,前辈怎样说话、怎样走路,它就跟着模仿。
从摄影艺术的发展脉络能看出,摄影艺术所使用的写实主义摄影、印象派摄影、绘画主义摄影,都是对绘画艺术的借鉴和模仿。在构图上,平行线构图、中心式构图、S形构图、C形构图、三角形构图,等等,都是很早以前油画家琢磨出来的构图技巧,让摄影拿来所用罢了。
一幅人体油画作品需要消耗很长时间画完,创作过程非常艰辛,既是脑力劳动又是体力劳动,而一幅人体摄影作品,只需对着设置好的人体造型多次按快门,再从中选出拍得最好一幅的即可,在劳动成本和创作难度上,人体摄影根本无法跟人体油画相提并论,摄影家完全被现代化设备——照相机给解放了。
对那些具有“手工情结”的欣赏者,自然不会认为人体摄影是艺术。
第三,一些人体摄影作品本末倒置,等于是偏离了艺术本质,败坏了人体摄影的名声,导致大众对其不认可。艺术本身是形而上的东西,但一些摄影家为了出名,把人体当噱头,作品趣味庸俗。观者看到这样的人体摄影作品,情操能获得提升还是思想能得到升华?
恐怕都不能,只会降低观者的审美修养,把观者变成无趣的人。
5. 有什么是可以教一个零基础的人画人物素描精微素描哦?
我的见解是:人物素描画难在造型,也就是说难在像。如果是画静物,花卉,风景一类的,画的有点偏差也说的过去。人物画稍微有点偏差就让人看着不舒服,表情就会僵硬。建议零基础还是画画几何体静物相对比简单且容易理解的类别。零基础真要画人,最好让老师一步步带着画,或者买书比着一步步画。想画好人物,多画画人物速写,多了解人体结构,多看看肖像画名作!写的希望能帮上大家。也发几张自己前几年画的作品。第一张是我没有正式学画之前自己瞎画的
的作品
6. 谁能为我介绍几本比较好的素描书?
推荐几本好书:《央美素描60年 》、《国美附中作品集系列》、《央美附中作品集系列》,学习结构素描的话,湖北美院出的一系列结构素描书:几何,静物,石膏像,头像。有关人体结构的书:《伯里曼艺用人体解剖》、《解构人体》。速写:于小东系列。学素描最主要的是不能一味临摹,要将临摹的知识运用到写生中去,多画多练习。
7. 在只有素描基础的情况下该如何自学油画?
作为每一个艺术爱好者,都会明白素描在油画中的重要作用,那么素描在油画中到底有多重要呢?素描是油画的一切基础,素描就是油画的血脉骨肉,换句话说,没有素描,油画只是一滩色泥,好比涂鸦,那么在只有素描基础的情况下,该如何自学油画呢?
在只有素描基础的情况下,自学油画油画是以“色彩”为载体,所有的画面视觉效果,都由色彩来传递;“素描”是油画的一切基础,决定了油画的“光影明暗对比、空间透视效果”,将色彩与素描对比一下,很明显素描的地位远远要高于色彩,所以学习油画,素描的基础非常重要,油画中,非素描不可,
一个在只有素描基础情况下的人,要自学油画,也是可以的,在自学的过程中,务必通过写生来了解各种色彩的属性和特征,去室外的大自然中去写生,边看边描绘,而不是仅在室内对着一个静物进行机械性的刻画,或许有些人不明白,为何非要在室外写生呢?
我们举个很简单的例子,说明室外写生的重要意义作用,同样一棵树或一片树叶,在静止状态或风吹动时的状态下的特征都是截然不同的,又有自然光的照耀,每一片叶子的色彩生命能量非常充足,在进行色彩练习时,就完全不需要依靠想象力,真实比想象更加有意义,
对于有素描基础的人来说,自学油画无非就是对色彩如何有意义的处理运用,在室外写生,不只人物是真实的,连人物的习性都有节奏感,更主要是因为室外写生开拓了视野,活跃了对色彩的敏感力,对大自然进行写生,观察与描绘同时进行,这也是理论和实践同时进行,这样笔下的油画色彩才显得有层次感、生命力,
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1. 服装人体素描,艺术史上有哪些著名的女性艺术家?
Louise Élisabeth Vigée Le Brun 伊丽莎白·维杰·勒布伦
Vigée Le Brun(1755-1842),出生在法国巴黎。在完全颓废的洛可可时期是一位众所周知的人像画家。她是Marie Antoinette(玛丽·安托瓦内特,法王路易十六的王后)的私人人像画家,帮王后作画(有时帮她的家人作画)超过30次。Vigée Le Brun拥有的财产中有数以百计的画作包括600张人像画和200张风景画。Queen Marie Antoinette of FranceVigée Le Brun的艺术遗产不仅在今天被人想起,她,不像当时大都数深闺中的女人,而是非常出名。当她和她的女儿在法国大革命开始的时候逃离了法国,她们游历了整个欧洲,所到之处得到贵族们的欢迎追捧,他们让她继续以她自己独有的风格作画。她们一路游历到俄罗斯,并为凯瑟琳皇后及她的女儿画了美丽的人像画。Countess Skavronskaia最终Vigée Le Brun 返回到了巴黎并与她的丈夫重聚。她比她的家人活得都要久,她的余生继续以艺术家的身份作画直至生命结束。因为Vigée Le Brun对绘画的热情,独特风格及全球的影响力,所以我把她归纳在这个名单中。她多产的职业生涯是鼓舞人心的,还有她受委托创作的客户们也非常有趣。Mary Cassatt玛丽·卡萨特这是你在这个名单上可能会熟悉的女士之一。Mary Cassatt(1844-1926),出生于美国的宾夕法尼亚州。作为一名印象派画家,她最为人知晓的是她对于女人、孩子、亲子关系相关主题的关注。如果你Google"画婴儿的女性",你可能会查找到Mary Cassatt的画作。SummertimeCassatt在宾夕法尼亚艺术学院学习绘画,从她十五六岁开始,直到她21岁,她决心毕业后将绘画作为自己的职业。在1866年,她搬去法国居住,继续自己的课题和学习,这让他父亲十分懊恼。在那个时代女人无法进入艺术学校,所以她只能上私人课程,但这从未动摇过她的目标:成为一名职业的画家。1868年,Cassatt的作品,《A Mandoline Player(一个曼陀林演奏者)》入选到巴黎沙龙,一个由美术学院举办的官方艺术展览。她也是首个被该展览接受的美国女人。遗憾的是,她不得不在1870年离开法国,以避免在普法战争中被捕。这意味着她的艺术生涯受到了重创,也因为她的父亲始终没有支持她的职业选择,没有支持和鼓励,她甚至她考虑放弃她追求艺术的目标。幸运的是,受到匹兹堡的主教委托,她回到欧洲,在意大利的帕尔马,绘制意大利伟大画家科雷乔画作的复制品。Young Mother Sewing回到欧洲之后,她的画作带上了印象派的风格,她结识了Edgar Degas,一位印象派同好,知名的水彩画家。正是这份友谊鼓舞她继续在自己的路上前行,并让她最终形成她著名的个人风格——孩子,女人的肖像画作,获得成功。她的故事就讲到这里,(虽然它可能是在这个列表中最长的故事了),但我想强调的是她对追求梦想的坚持,没有放弃艺术创造,而震惊了全世界。Harriet Powers 哈丽叶.包尔斯Harriet Powers (1837–1910)是非裔美国人,一名被释放的奴隶。她在19世纪创造了一幅幅能讲述奇妙故事的拼布作品。Harriet生来就是黑奴,在美国南北战争前当了30年奴隶。Bible Quilt她创作的拼布作品大多是新编圣经故事,在很长一段时间里,人们都认为这些故事是她从别处听到的。直到2009年一封流传出来的亲笔信,让我们知道了事实并非如此。作为一位博学的女性,她将自己读到过的那些广为流传的故事用拼布制作的工艺以图画的方式呈现了出来。Harriet的拼布作品第一次面世是在19世纪80年代末的一场棉织品交易会上,那时她已陷入经济困难数年,但最终却只成交了一幅拼布作品。而这幅拼布的买家Jennie Smith,记录下了从Harriet处听来的这幅拼布的含义以及其背后的故事,而这也让我们在今天能更进一步了解了Harriet拼布作品背后的复杂故事。Pictorial Quilt剪裁成片,缝纫,再加上手工刺绣,她用了这样一种载体取代普通颜料绘画和铅绘,使得她的作品堪称非凡的艺术。无论是她所在国家的历史因素,还是她自身的经历,以及她在民间艺术上的表现,Harriet的故事都值得被分享出来。今天,我们将这些历史片段联系了起来,也看到更多的艺术家们还在继续学习这种古老的技法,让拼布技艺得以传承下去。Georgia O'Keeffe 乔治亚·欧姬芙如果没有Georgia O'Keeffe (1887–1986)的画,很难想象美国西南部的想象或抽象派的花是什么样的。来自威斯康星,20世纪早期,这位中西部艺术家在芝加哥艺术学院学习绘画,在学院中她接受模拟训练,在这个学习传统中艺术意味着对自然的模拟或者重现。但她不满足在这个理论下创作,因而决定作为一个艺术家去追逐自己的事业。Light of Iris直到她师从Arthur Wesley Dow之后,受启发转离现实主义,尝试以身边的事物创作抽象画。她被认为是美国首先突破现实主义的画家之一,也预示着美国艺术走向一个新的台阶:纯抽象主义。在1916年,她的一位朋友向艺术经销商兼知名摄影师Alfred Stieglitz展示了她的部分画作。他在自己的画廊291中展示了Georgia O'Keeffe的作品,这是O'Keeffe走向为大众所认识的艺术家的开端,更拉近了两人的距离,最后有情人终成眷属。O'Keeffe的作品从生物物体,近物特写和抽象花朵到人造建筑,比如纽约的建筑,她曾经住过和工作过的地方。有趣的是,她大部分以花为主题的作品被认为是描绘的女性器官,但她本人并不认可这种解读。后来,她厌倦了这类创作,于是去新墨西哥进行了一场旅行,那儿的风景和肖像给了她很大的灵感,让她最终选择定居那里。不管进行哪种主题的创作,她作品的欢迎度从未被动摇过。From the Faraway, Nearby无论是有意还是无意,O'Keeffe成了潮流的缔造者;她的作品总是赶上艺术潮流。(之前是花朵和美国现代主义,现在是景观和特定场景)。在八十年代前她都是进行独立创作,直到她的视力出了问题,她开始与助手一起工作,凭借记忆创作那些受欢迎的图案。Frida Kahlo 弗里达·卡罗Frida Kahlo(1907-1954),是一位以其作品用色大胆和诡异自画像而著称的墨西哥超现实主义女画家。为了掩盖引童年时的小儿麻痹症导致的右腿比左腿细,你可以发现在她大部分的自画像中,她常常穿着长裙。在她18岁时,不慎遭遇车祸,导致了身体上许多不同程度的创伤。其中的大多数都已经康复了,还有一些创伤对她身体产生了永久性影响,包括疼痛和生育问题。后者成为了她之后画作的一个常见主题。正是这次车祸使得她放弃了正在进行的医学学习,在她康复阶段,由于行动不便,她开始学习绘画。Self Portrait with a Monkey在她的画画生涯中,Frida一共画了超过140幅画作,其中有55幅自画像。受墨西哥文化的影响,她的画作大多明亮且丰富多彩。画作主题主要是对她自身身体问题和心理状态的象征性表达。就如她经常说的一句话:"我从不绘画梦想,我只是在描述我的现实"。Kahlo的生命中包含一段与同样是画家的Diego Rivera迭戈·里维拉的动荡婚姻,对共和党的绝对支持,以及与Pablo Picasso巴勃罗·毕加,Leon Trotsky里昂·托洛茨基和Marcel Duchamp马塞尔·杜尚之间的友谊。随着时间的推移,关于她作品越来越多地展示了她与背部支架,外科手术,慢性疾病和精神痛苦的斗争。The Wounded Deer通过Frida的画作充满情绪和热情,通常是走心的,让全世界都能窥探到她的思想和状态。不管你是否认可她的政治想法,她从不在她的画作或生活中隐瞒她的想法,她也从不隐瞒她与绝望和痛苦的斗争。她将这一切想法和感受在画布上展露无遗,用这样创造性的方式与全世界分享她感受到的一切。Caterina van Hemessen 卡特里娜 凡 霍姆森Caterina van hemessen是佛兰德文艺复兴时期的画家(1528–1587年左右),她最著名的是她是以画架前的艺术家的形象画自画像的第一人。这样一幅展现艺术家的共同特征(有人性,真实)的自画像,也令人惊讶,直到16世纪艺术家们才在画中展现自己工作的状态。Self-Portrait与此列表中的其他艺术家相比,Caterina van hemessen的作品量很小,绘画的时间也比较短。她的父亲Jan Sanders van Hemessen是一名画家,可能受他影响,Caterina 主要绘制肖像.她的作品中有个常见的主题,穿着华丽的富有男人在黑暗的背景前,这些作品很有可能是受富有的顾客委托所作。据说她在1554年结婚后年停止了工作,这在当时很正常。几年后她去世了,在这之前是否有重拾画笔已不为所知。Portrait of a Lady我把她的名字列入名单中,是因为她影响了许多画自画像和肖像的艺术家。不是每一个艺术家会一直创作,但光是开启了艺术家画工作自画像的新风已经足够影响我把她加进名单了。Sofonisba Anguissola 索芳妮斯贝 安古索拉Sofonisba Anguissola(1532-1625)是文艺复兴时期的意大利画家。Sofonisba和Bernardino Campi和Bernardino Gatti一起学习艺术。这在当时史无前例,很久以后,妇女才被允许成为艺术学徒或艺术学生。Sofonisba之所以在艺术方面有成就,和她的家庭教育有很大的关系,她的父亲就经常鼓励她和她的妹妹们,要在艺术学习上多加努力,在当时的社会教育背景下,其他的女性就没那么幸运了。Self-portrait at the easel这几乎是这个名单的共同主线。当时社会在对女性学习艺术怀有偏见:女性花费大量的时间和精力,通过艺术创造获得成功,实现自己的目标和理想,是不可思议的事情。从Sofonisba的角度出发,这就意味着她不能和男性一样学习解剖学和人体素描(多年以来,女性都不被允许学习和研究人类裸体)。为了不向这种荒谬的制度屈服,Sofonisba开始画家人或者自己非正统的肖像。她有一幅作品《Lucia, Minerva and Europa Anguissola Playing Chess(露西亚、米勒娃和欧罗巴-安古索拉下棋)》的场景表现的就是她穿着正式的服饰,带着随意的表情的姐妹们。在当时,意大利的肖像画都比较刻板,人物看起来很僵硬。Sofonisba创造了这种自然的人物绘画手法,画真实自然的人而不是画人们想要被画成的样子。除此之外,当时国际象棋也很受欢迎,但也因为需要逻辑思维和策略被认为是只适合男性玩的游戏。Lucia, Minerva and Europa Anguissola Playing Chess到了15世纪50年代,Sofonisba被世人所知,她被邀请到西班牙出任菲利普二世的宫廷画师。在之后的14年间,她在宫廷有了一个专门用于画肖像的住处,而且她成为了西班牙伊丽莎白女王和她的女儿们的艺术导师。一直到她婚后才住到了巴勒莫,在她丈夫去世后她又搬到了热那亚,之后再婚。在热那亚,她一直都是排名第一的肖像画家,直到她后来再搬回到巴勒莫生活。她画的最后一幅肖像画是1620年创作的。在晚年,她成为了一名艺术资助人,因为白内障和视力下降的原因,再也看不清不能创作了。Sofonisba打破社会对女性追求艺术的性别障碍,一直坚持创作到晚年,一次次地突破自己。这不可忽视的艺术力量,在她同时代甚至后人当中都很罕见。Artemisia Gentileschi 阿特米西亚·真蒂莱斯基Artemisia Gentileschi(1593–1653)是巴洛克时期的意大利画家,她被认为是当时艺术界上最为杰出的女性之一。她擅于在画作中表现不为大众所熟知的女性进步思考。Gentileschi受她父亲画家Orazio Gentileschi的影响步入艺术界,但她的艺术风格却受意大利画家Caravaggio的影响更甚。她的画作与其父亲的不同,更偏向于现实主义而不是理想主义,拥有更大的辨识度。Gentileschi早期备受关注的画作是《Susanna and the Elders》,画作灵感来自于Daniel的一本书,讲述了一个名叫Susanna的女人被邪恶的老夫妇诬陷。书中Susanna因为拒绝被敲诈而被逮捕,在她快被折磨致死时Daniel救了她,并且盘问老夫妇,揭露他们的谎言,洗清Susanna的冤屈。Susanna and the Elders这幅画之所以引人瞩目是因为Artemisia在画中主要侧重于表现Susanna的情感,描绘她的创伤性体验。在那个时期,还没有画家用过这种表现手法来表现女性细腻的情感。1612年,Artemisia与Agostino Tassi打了一场官司。Agostino Tassi曾经是Artemisia的老师,但是他强奸了她。在罪行之后,Agostino Tassi试图控制Artemisia,想要通过结婚来掩饰他的罪行,恢复在他们文化中的名誉。这场官司被公审了,通过公审揭穿了Agostino Tassi的险恶用心,他想要谋杀Artemisia并盗取她的画作。但是Agostino Tassi近被判处一年有期徒刑,并且最终没有执行。经历过强奸、审判、女性的无助以及长时间的法庭对峙之后,Artemisia Gentileschi和她的画作从此改变了。她开始专注于女性团结的表达,她绘画出坚强的女性来宣泄自己当时孤立无援的情绪,很多画作中坚强的女人就是她对自己的影射。Judith and her Maidservant她的一生都奉献给了绘画,并且得到一片赞誉。在她去世后,她的作品一度被误解是她父亲创作的。庆幸在艺术研究学家的不懈努力下,她的作品和遗产的名誉才得以恢复。我把她列入名单,不仅仅因为她作为一个卓有成就的艺术家一生获得了无数赞誉,产生了深远影响,还因为她在17世纪就"不合时宜"地专注于坚强女性和她自己的情感,为女性发声。Marianne North 玛丽安娜·诺斯Marianne玛丽安娜·诺斯(1830 - 1890)是一位生物学家和植物学艺术家,主要在维多利亚时代创作。玛丽安和她的父亲一起周游世界,研究植物和绘画,画所有能画的一切。1870年她的父亲去世后,她决定继续周游世界独自跋涉丛林,露宿郊野,最终她访遍每个大陆,积累关于自然世界的近百幅作品。Durian Fruit from a Large Tree, Sarawak, Borneo与其他植物艺术家的作品不同,她的画看上去比其他同类作品更具活力。她的风格是快速写意的,这让她能够快速创作,成为多产的画家。她在绘画中记载的植物和有机体的数量给生物学带来有效价值。当时没有摄影的方便,她的作品成为了研究自然界的重要资源。很多植物以她的名字命名,包括整个northia属植物。Nepenthes northiana我把玛丽安娜列入了这个名单,不仅是为了她的技巧和冒险精神,自己环游世界,富有激情,还因为她对科学的贡献,帮助我们理解了自然世界。Beatrix Potter 毕翠克丝·波特Beatrix Potter(1866–1943)是一个非凡的著名自然学家、自然资源保护人士、插画家和作家。你在小时候可能读过她的作品,比如《彼得兔的故事》。出生在英国一个富有的家庭中,Beatrix从小对大自然十分着迷。Peter Rabbit她早期的作品专注于菌类和科学插画。在此期间,她研究了大量的活体真菌标本。很多她有关真菌的素描和绘画都以菌类参考资料的形式收藏于阿米特博物馆和图书馆中。受童话故事的影响,Beatrix转而开始用精美的动物绘画来说故事。1901年,在没有出版商愿意帮她出版的情况下,她自费出版了有关兔子们故事的手稿。在一个好友的帮助下,她的书《彼得兔的故事》终于在1902年由弗雷德里克公司出版。在往后的20年里,她创作了23本有关小动物故事的书。Beatrix非常明智地在1903年创造并注册了彼得兔的公仔,这是后来她众多书籍绘画的周边产品中的第一件。这些产品都得有出版社授权,让她自己和出版社都在书籍之外增加不菲收入。Simpkin at the Tailor's BedsideBeatrix后来搬去乡下,继续写作和绘画,并成为一个牧羊人。由于在社区威望很高,她被任命为"贺德威克牧羊人联盟"主席,也是此联盟史上第一位女主席,但是同年在她担任职务之前她就去世了。我在这个名单中选择了Beatrix不仅是因为她作为艺术家的驱动力和激情,还因为她的商业头脑,聪明地保护了自己的作品,她也随着绘画和书籍故事创作了可以代代流传的卡通形象。2. 人体艺术有存在的必要吗?
存在即是合理。
人生三个阶段都会遇到的人体艺术。
一、上学时期。
上学的时候,教室里悬挂的最多的画像是爱迪生、爱因斯坦、伽利略、牛顿和哥白尼等科学巨匠的油画像,这些画像激励着无数青年学生去探索未知,无攀登科学高峰。
二、新婚燕尔,布置新房。
毕业后,成家了,有了自己的房子,总会挑一些自己喜欢的国画(当然是复制品)悬挂在客厅,如万山红遍、梅兰竹菊等;而在属于自己的私人房间里,会与爱人一起选些更人性、更具烟火味的人体画像,如鲁本斯的《海伦娜·弗尔曼肖像》。这幅人物油画中的贵妇人,漂亮、生动,线条十分流畅,据说这幅油画迎合了上层社会的审美需求。咱一个老百姓虽然身处底层,但心可以不受约束,在自己的二人世界里也感受一下贵族的生活情趣。当然卧室里选取的油画多为半露的,即比较保守。
三、上班出差住酒店或出国。
上班出差住酒店时则常常看到一些全裸的油画,走廊里、房间中,错落有致、林林总总地挂着鲜活的人体油画,置身于此,马上觉得这儿的空气很新鲜,情调很别致。住在这,既可以解除旅途劳累,又可以释放人对美和异性向往的天性,真好!
这些人体油画都是一些世界名画的复制品,但也都惟妙惟肖,足可以以假乱真。
如:拉斐尔的《西斯廷圣母》圣母像甜美、悠然。圣母抱着圣子从云端降下,油画两边帷幕旁一男一女,教皇西斯廷二世穿着金色锦袍欢迎圣母、圣子。
安格尔《大宫女》。大宫女赤裸着身子背对人而卧。她手拿孔雀羽扇,头戴土耳其头巾,体态丰盈,流光溢彩。
威廉·阿道夫·布格罗的《手拿贝壳的女人》《春天的和风》《波浪》等人体油画,没得让人窒息。(鉴于网络人群年龄不一和你知道的原因,这些油画不能在此附上,非常遗憾!)
《维纳斯的诞生》画中的维纳斯刚从沉睡中醒来,似出水的芙蓉,高贵圣洁,她睡眼蒙松,可爱至极。
人体艺术与众多的艺术形式一样,是人类思维的产物,也是对美好生活的讴歌和向往。她能给人带来美的视觉享受和愉悦。人体艺术不仅可以满足人们的视觉“欲望”,更可以陶冶人们的情操。
3. 什么是服装造型方法?
①服装构成。又称服装结构。将服装各部分组合成服装的过程。服装学好服装设计有什么用构成必须符合人体工程学的要求。通常是根据人体着装部位而定的领、袖、衣身、裤腰裤管、裙腰裙片等组合而成。
服装构成的创作方法,是充分运用组成各部位的形态要素(点、线、面、体、肌理、色彩等)进行艺术造型,其具体方法(服装造型方法)主要有立体法、比例分配法、短寸法和原型法。
②服装设计图。
最常用的有意向图、款式图、效果图和裁剪图。意向图,源于艺术的写意画,寓意性或趋向性地描绘服装形神以表达设计意境的一种设计图,如服装广告画和流行服装素描等。款式图,直接体现服装款式造型的黑白线条图,包括示意图、装饰图、展示图、分解图。
效果图,表现着装后整体效果的图画。 既要表现服装的造型、款式、色彩、材料、肌理、装饰、工艺等,又要表现人的神态、肢体、姿势以及鞋帽、服饰和环境等。裁剪图,按造型方法,运用制图符号、文字等标明衣片结构及有关裁剪、缝制规定的设计图。
按裁剪图可直接裁剪出所设计的服装的衣片等,从而缝制成衣。
4. 为什么有人认为人体油画是艺术?
一说到艺术,人们自然而然会联想到绘画、雕塑、建筑、书法、摄影、音乐、舞蹈、戏剧等具体的门类,它们有的属于造型艺术,也就是人们常说的“美术”,以直观的视觉感受作为主要欣赏手段。有的属于表演艺术,主要通过听觉来完成审美过程。有的属于综合艺术,在欣赏时,必须同时启动视觉和听觉,才能达到欣赏目的。
若说起人体艺术,人们自然会想到人体雕塑、人体油画、人体素描、人体摄影、人体彩绘等多种形式。
它们都是以人体作为审美对象,或者把人体当作艺术载体,艺术家再结合自己对美的理解,对生活的感悟,对文化的认识,运用各种技法和手段创作而成,供人们欣赏。
可以说,任何一件人体艺术作品,都是艺术家用才华、激情和智慧精心打造出来的,凝结了艺术家难以量化的心血,因此,面对任何一件艺术作品,都应当尊重,一是尊重艺术本身,二是尊重艺术家的劳动成果。
然而,经常出入美术馆的朋友,会在现实生活里发现一个十分有趣的现象:关于人体油画的展览并不少见,而人体摄影展览几乎很难看到。
说实话,迄今为止,我也没有见到过有哪个摄影家举办过个人“人体摄影展”。
为什么会出现这种情况?根本原因是,大部分人在骨子里不认同人体摄影是艺术,而对人体油画、人体素描、人体雕塑都持默认态度,认为它们是毋庸置疑的艺术结晶。
如果结合美术史,创作方式,以及人体摄影的现状,就能理解这个问题。
第一,从美术史的角度来看,人体摄影产生的时间很短,还没有形成比较深厚的文化积淀,没有底气跟人体雕塑和人体油画进行较量。人体雕塑是人体艺术的鼻祖,产生于2800多年前的古希腊时期。古希腊时期的艺术家和哲学家,都是热爱生活、善于观察的人,他们从现实生活里发现,肌肉发达的男人们在作战或竞技比赛时,产生的力量美和阳刚美无与伦比,让人看到后很亢奋,能催发人的斗志。
为了留住这些美,艺术家们搬来大理石或花岗岩,按照这些勇士或运动员的真实比例,一点一点精雕细琢,最终完成创作。在雕塑作品里,男人们的阳刚,大理石的坚硬,雕刻手法的细腻,三者完美地融合在一起,于是,就产生了精美绝伦的艺术品。
同样,女人们在舞蹈时表现出来的优美姿态,以及女性身体上与生俱来的曲线美,让艺术家沉迷,因此,艺术家用大理石还原出了不同女性风情万种的姿态,又促成了精美艺术品的诞生。
到古希腊中期,雕塑艺术已经十分发达,并全面走进生活,公共场合里,如街道、教堂、宫殿、大厅门口等地方,陈列人体雕塑成为司空见惯的事情,是人们文化生活的见证,并形成了根深蒂固的文化传统。到如今,世界各地的公共场合依然摆放有许多人体雕塑作品,从没有人认为有什么不妥。
人体油画产生于14世纪初期,在艺术宗旨上跟文学、雕塑、建筑等其它艺术形式,都遵循“人文主义思想”,画家通过人体油画来体现生命的价值,以及世俗生活的乐趣。在技法上,人体油画吸收了雕塑的造型手段,同时对美学、光学、解剖学、物理学等许多学科有所吸收,可以说,人体油画是科学元素和艺术元素的完美结合。
摄影艺术诞生于19世纪60年代,把人体作为摄影对象是近几十年才出现,它完全是一门新艺术,没有形成自己的创作体系和文化积淀,跟爷爷辈的人体雕塑和人体油画,完全不在一个层次。
如果把人体摄影作品放在公共场合装饰环境,恐怕有许多人会戴着有色眼镜来看这个事情,还是因为人体摄影的文化积淀不够,导致认同感很低。
第二,从创作方式来看,人体摄影没有形成自己独立的创作语言和艺术观念,完全在模仿人体油画的创作成果。并且,跟纯手工创作的雕塑和油画比起来,摄影对照相机的依赖性很强,劳动成本太低。人体摄影就像一个咿呀学语的孩子,还不具备说话和走路的能力,只能现学现用,前辈怎样说话、怎样走路,它就跟着模仿。
从摄影艺术的发展脉络能看出,摄影艺术所使用的写实主义摄影、印象派摄影、绘画主义摄影,都是对绘画艺术的借鉴和模仿。在构图上,平行线构图、中心式构图、S形构图、C形构图、三角形构图,等等,都是很早以前油画家琢磨出来的构图技巧,让摄影拿来所用罢了。
一幅人体油画作品需要消耗很长时间画完,创作过程非常艰辛,既是脑力劳动又是体力劳动,而一幅人体摄影作品,只需对着设置好的人体造型多次按快门,再从中选出拍得最好一幅的即可,在劳动成本和创作难度上,人体摄影根本无法跟人体油画相提并论,摄影家完全被现代化设备——照相机给解放了。
对那些具有“手工情结”的欣赏者,自然不会认为人体摄影是艺术。
第三,一些人体摄影作品本末倒置,等于是偏离了艺术本质,败坏了人体摄影的名声,导致大众对其不认可。艺术本身是形而上的东西,但一些摄影家为了出名,把人体当噱头,作品趣味庸俗。观者看到这样的人体摄影作品,情操能获得提升还是思想能得到升华?
恐怕都不能,只会降低观者的审美修养,把观者变成无趣的人。
5. 有什么是可以教一个零基础的人画人物素描精微素描哦?
我的见解是:人物素描画难在造型,也就是说难在像。如果是画静物,花卉,风景一类的,画的有点偏差也说的过去。人物画稍微有点偏差就让人看着不舒服,表情就会僵硬。建议零基础还是画画几何体静物相对比简单且容易理解的类别。零基础真要画人,最好让老师一步步带着画,或者买书比着一步步画。想画好人物,多画画人物速写,多了解人体结构,多看看肖像画名作!写的希望能帮上大家。也发几张自己前几年画的作品。第一张是我没有正式学画之前自己瞎画的
的作品
6. 谁能为我介绍几本比较好的素描书?
推荐几本好书:《央美素描60年 》、《国美附中作品集系列》、《央美附中作品集系列》,学习结构素描的话,湖北美院出的一系列结构素描书:几何,静物,石膏像,头像。有关人体结构的书:《伯里曼艺用人体解剖》、《解构人体》。速写:于小东系列。学素描最主要的是不能一味临摹,要将临摹的知识运用到写生中去,多画多练习。
7. 在只有素描基础的情况下该如何自学油画?
作为每一个艺术爱好者,都会明白素描在油画中的重要作用,那么素描在油画中到底有多重要呢?素描是油画的一切基础,素描就是油画的血脉骨肉,换句话说,没有素描,油画只是一滩色泥,好比涂鸦,那么在只有素描基础的情况下,该如何自学油画呢?
在只有素描基础的情况下,自学油画油画是以“色彩”为载体,所有的画面视觉效果,都由色彩来传递;“素描”是油画的一切基础,决定了油画的“光影明暗对比、空间透视效果”,将色彩与素描对比一下,很明显素描的地位远远要高于色彩,所以学习油画,素描的基础非常重要,油画中,非素描不可,
一个在只有素描基础情况下的人,要自学油画,也是可以的,在自学的过程中,务必通过写生来了解各种色彩的属性和特征,去室外的大自然中去写生,边看边描绘,而不是仅在室内对着一个静物进行机械性的刻画,或许有些人不明白,为何非要在室外写生呢?
我们举个很简单的例子,说明室外写生的重要意义作用,同样一棵树或一片树叶,在静止状态或风吹动时的状态下的特征都是截然不同的,又有自然光的照耀,每一片叶子的色彩生命能量非常充足,在进行色彩练习时,就完全不需要依靠想象力,真实比想象更加有意义,
对于有素描基础的人来说,自学油画无非就是对色彩如何有意义的处理运用,在室外写生,不只人物是真实的,连人物的习性都有节奏感,更主要是因为室外写生开拓了视野,活跃了对色彩的敏感力,对大自然进行写生,观察与描绘同时进行,这也是理论和实践同时进行,这样笔下的油画色彩才显得有层次感、生命力,
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